相信很多从事摄影的朋友在有了一定的经验、拍摄水平逐渐稳定之后，经常会感觉自己陷入了一个瓶颈期——看着自己的作品总觉得缺了点什么，又不知道如何提升；甚至因为日复一日的模式化制作，对创作也丧失了最初的热情。长期陷在这样的状态里，很容易让人感到焦虑，有一种说法是，瓶颈期是每一个创作者的“槛”，如果过不去，水平就只能停留现阶段，而一旦跨过去了，自己的专业水平则会迎来爆发式的成长。而卡在这个节点上的创作者们，相比于自己盲目的努力，他们可能更需要一份来自外界的助力。
尤其是从事宣传片的制作已经很多年了的摄影师，因为在工作中很难跳出既定的框架，所以整体创作会越来越模式化，同时也找不到解决的办法。
当你发现自己陷入了一个无法提升作品质量的僵局，首先要做的可能是检验自己的知识体系是否有缺漏。
而对于一个真正想要提升自我的摄影师来说，系统且专业的理论体系可以帮助他更好地发散思维、实现创意落地。
尤其对于很多的小团队来说，能有一个掌握了系统且全面的理论知识的人，才能尝试更多的创意内容。
好的视觉效果在很大程度上取决于光线，但很多从业者在最初学习的阶段，对布光的原理始终保持一种比较“轻视”的态度。
他们会觉得与其花费很多时间去研究光线的底层逻辑，还不如直接上手实操来得强，这样会导致大家对于很多问题“只知其表，不知其里”，在实际的操作过程中也很容易出现差错。
上述两点是关于在短期内得到提升的思路和方向，而想要真正突破自我、让作品实现质的飞跃，除了在知识和技能上下功夫，审美的训练也非常重要，这就需要大家在日常的学习生活中多搜集、欣赏一些优秀的作品案例。
当你观摩了大量的案例作品，累积了很多实用的拍摄方法之后，相信你在今后从事创作的过程中，思路会更加丰富、创新能力也会有所提高。
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